Maestre George Petrou, Festivalul de la Wexford are o tradiție îndelungată de a readuce la viață opere uitate sau foarte rar cântate, iar anul acesta tema evenimentului este Mituri și legende. Care este semnificația prezentării operei Deidamia de Handel în acest context specific?

Deidamia este ultima operă pe care Händel a compus-o pentru Londra, după o lungă carieră operistică în capitala britanică, foarte reușită, dar și foarte aventuroasă. Trecuserü mulți ani, aproape 30 și ceva, de când Händel prezenta publicului londonez opera italiană în calitate de producător. A avut un succes uriaș, un succes mitic, cu prima sa producție, Rinaldo, în 1711, și apoi a continuat să scrie opere pentru teatrul londonez. Desigur, în acești 30 de ani au existat multe schimbări în gustul publicului și chiar în limbajul muzical, care s-a îndreptat mai mult către stilul galant al compozitorilor italieni celebri ai timpului: Porpora, Vinci, Leo Hasse. Evident, Händel a trebuit să se adapteze. Și-a schimbat limbajul de mai multe ori. A trecut prin succese uriașe și eșecuri mari, iar unele dintre cele mai mari lucrări ale sale, precum Serse, considerată astăzi una dintre capodoperele sale operistice, a fost un eșec foarte mare la Londra. Puțin după Serse, Händel a descoperit genul oratoriului englez, care este în esență o modalitate operistică de a nara o poveste simplă în limba engleză, ceea ce a făcut-o mult mai ușor de înțeles și de receptat de către public. A avut un mare succes cu acest gen al oratoriului englez și totuși nu a abandonat opera, dar era foarte clar că atenția sa era îndreptată către oratoriu pentru viitor. Așadar, Deidamia a fost ultima sa încercare în domeniul operei. Nu a fost un succes la acea vreme, ceea ce nu înseamnă nimic, desigur, pentru că, după cum știm, multe dintre cele mai mari opere scrise vreodată au fost eșecuri uriașe la premieră, precum Norma, Bărbierul din Sevilla, Carmen. Oricum, aceasta încheie o carieră operistică foarte strălucită și foarte lungă a lui Händel la Londra. Totuși, el era în momentul în care puterea sa creatoare era la apogeu. Deci vorbim despre o lucrare care are o muzică cu adevărat fantastică și îl arată pe Handel în cea mai matură formă a sa. Este foarte clar că muzicianul căuta ceva diferit în acel moment. A făcut ultimul efort de a prezenta o operă pentru publicul englez, dar plănuia deja pașii următori, iar următorul pas a fost Messiah, una dintre cele mai mari capodopere corale din toate timpurile, care a venit imediat după Deidamia. A fost un mare succes la Dublin și de atunci compozitorul s-a îndreptat către oratoriu.

La Wexford este vorba despre o co-producție cu Festivalul Internațional Händel de la Göttingen. Ce înseamnă asta? Producția va merge şi la Göttingen?

Este o co-producție, ceea ce înseamnă că se împart costurile creative - construcția decorurilor, costumelor, designul. Şi vom prezenta lucrarea la Göttingen în luna mai 2026, desigur cu o orchestră diferită, dar cu aceiași soliști.

Sunteți atât dirijor, cât și regizor al acestei producții, ceea ce este o combinație destul de rară în zilele noastre. Cum modelează această dublă perspectivă deciziile dumneavoastră artistice?

Cu ocazia repetiției generale directoarea artistică a festivalului de la Wexford, Rosetta Cucchi, a ținut un scurt discurs înainte de spectacol, pentru că a fost în fața publicului. Sala era plină și ea a spus că cele mai bune condiții pentru o producție de operă sunt atunci când dirijorul și regizorul sunt aliniați pe aceeași direcție. A adăugat că în acest caz nu trebuie să ne facem griji, pentru că este vorba despre una şi aceeași persoană.

Este parte a deciziei mele de a mă ocupa şi de regie, iar aceasta este a 15-a punere în scenă a unei lucrări de teatru muzical. A avut de-a face cu faptul că, în calitate de muzician, trebuie întotdeauna să mă ocup de o anumită dramaturgie a unei lucrări de operă. Și această dramaturgie uneori intră în conflict cu ceea ce a creat regizorul. Meseria mea, ca dirijor, este desigur să susțin decizia regizorului. Câteodată am avut norocul să lucrez cu regizori extraordinari și să mă bucur enorm de munca cu ei și să învăț multe lucruri, dar uneori nu a fost posibil să mă aliniez cu regizorul. Iar acest lucru nu însemna neapărat că regizorul nu este bun. Înseamnă că viziunea mea nu a coincis cu a lui şi că nu aş fi putut să susțin munca lui sau a ei prin viziunea mea. Și acest lucru creează probleme.

Așa că, la un moment dat, am decis pur și simplu că este mai ușor pentru mine să îmi pun laolaltă propriile gânduri și propriile sentimente despre o lucrare de teatru muzical și să creez propriile imagini și propria dramaturgie pe scenă, astfel încât să nu trebuiască să mă confrunt cu acest gen de conflict. Și apoi poate chiar să fac propriile greșeli și să le descopăr. Acesta a fost motivul pentru care, acum aproximativ 10 ani, am decis că mi-aș dori să sar în arena regiei și să mă testez acolo. Și trebuie să spun că este o muncă care îmi oferă o bucurie extremă și o plăcere extremă, dar este mult mai anevoioasă și este un proces mult mai lung decât doar pregătirea pentru a dirija o operă.

Este un proces care durează luni de zile. Este un proces de colaborare cu designeri, cu dramaturgi, de colectare de informații, de colectare de referințe. Însă procesul este atât de lung încât nu sunt capabil să preiau mai mult de una sau două producții pe an, desigur, dacă voi continua și activitatea mea de dirijor.

Cum arată scena în această producție, în viziunea dvs.?

Deidamia este un mit grecesc. Se aliniază temei de Mituri și legende a Festivalului Wexford din acest an. Este un mit grecesc frumos, despre marele supererou Ahile, ascuns de fapt de tatăl său pe insula Skyros, îmbrăcat ca femeie. De ce? Pentru că întreaga Grecie își mobiliza forțele pentru a ataca Troia și exista un oracol care îi spusese tatălui lui Ahile că dacă Ahile ar merge la Troia, ar muri. Așa că, din dragoste pentru fiul său, l-a ascuns pe insula Skyros și a încercat să îl ascundă îmbrăcându-l ca pe o femeie. Ahile a fost implicat într-o poveste de dragoste cu fiica lui Licomede, regele. Licomede era regele din Skyros, iar fiica sa era Deidamia. Ea era îndrăgostită și a avut o relație cu Ahile. Până aici, totul bine. Dar celebrul Ulise, una dintre cele mai celebre personalități viclene din toate timpurile, sosește pe insula Skyros cu ordine specifice de a-l găsi pe Ahile. Deci aici încep problemele, pentru că, desigur, Ahile este un bărbat eroic, tânăr, în forţă, dar tot visează la glorie și faimă, și război și acțiune și vânătoare și toate aceste activități masculine care l-ar putea trăda.

Așadar, Deidamia încearcă să îl convingă să își ascundă identitatea, dar desigur, prin vicleșugul lui Ulise, el este dezvăluit și astfel trebuie să meargă la Troia să lupte pentru țara sa. Și, desigur, la final, după cum știm cu toții povestea, el moare.

Nu poți scăpa de destin.

Exact. Dar vreau să spun, aceasta este ceva destul de interesant, pentru că Ahile, către sfârșitul operei, spune că destinul este în mâinile noastre și oracolul nu este nimic mai mult decât ceea ce oracolul vrea să spună, ceea ce înseamnă că de fapt el crede că destinul este în mâinile noastre. Deci comite un fel de insultă la adresa zeilor, spunând că este în controlul destinului și nimeni nu îi poate spune ce să facă. Asta este ceea ce numim în greacă hybris, care este elementul esențial al tuturor tragediilor: dacă, în calitate de om, te îndoiești de decizia zeilor, atunci comiți o eroare fatală.

Avem de-a face cu o operă care are şi mult umor, pentru că vă puteți imagina că toate incidentele legate de Ahile îmbrăcat ca o fată pot crea multe momente amuzante. Și Bruno de Sá, în rolul lui Ahile, face o treabă fantastică. Este un animal de scenă uimitor și este pur și simplu persoana perfectă să incarneze acest personaj care se mișcă între o identitate feminină, dar și o identitate de supererou masculin. Iar Bruno poate fi la fel de convingător ca o femeie frumoasă, cât și ca un bărbat eroic puternic. Și asta este cu adevărat uimitor.

Ați optat pentru un tip de punere în scenă tradițională, să zicem istorică, sau este una modernă?

Aceasta este întotdeauna o întrebare mare: ce este istoric și ce este modern? Aici sunt ambele lumi. Cele șase personaje ale operei noastre sunt personaje grecești antice, așa cum ar fi în Grecia antică, îmbrăcate în haine grecești antice și totul. Dar acțiunea se petrece în Skyros, dar în prezent. Deci tot ce este în jur este modern, ceea ce înseamnă că are de-a face cu problemele supraturismului pe insulele grecești, cu o imagine falsă de perfecțiune și de fericire și de paradis pământesc pe care uneori locurile turistice vor să le prezinte. Așadar, personajele noastre se mișcă printre oamenii moderni, dar nimeni nu interacționează cu nimeni. O să vă dau un exemplu despre ce m-a inspirat: când ne aflăm într-un loc istoric sau care este încărcat de istorie de-a lungul secolelor - de exemplu, pe Acropole la Atena - atunci avem sentimentul că aceștia sunt pașii pe care Pericle a trebuit să îi facă sau locul unde Socrate s-ar fi putut întoarce după acest colț. Sau dacă ești în Veneția, te gândești: Doamne, Vivaldi a fost aici, a fost chiar acolo pe această stradă și a locuit în această casă. Sau dacă mergi la Viena, simți că Mozart a fost acolo.

Și astfel simțim întotdeauna prezența marilor personalități istorice care ne definesc lumea actuală, ca și cum ar fi în jurul nostru, dar nu le vedem. Deci, într-un fel, două universuri paralele coexistă împreună, dar nu se văd niciodată unul pe altul. Nu interacționează unul cu altul. Să spunem că dacă aura personajelor antice ar fi în jurul nostru, ele nu vorbesc cu noi, dar sunt totuși în jurul nostru.

Deci, într-un fel, este o abordare plină de umor, dar și ceva ce eu însumi am experimentat de multe ori când am fost în locuri care erau cu adevărat încărcate de istorie. Și cred că funcționează. Cred că publicul a înțeles imediat și am avut o reacție foarte pozitivă. Oamenii urmăreau cu adevărat povestea. Dar trebuie să vă spun că nu mi-am bătut joc de poveste. Nu am creat o comedie prostească din ea, ci am vrut cu adevărat ca povestea în sine să se desfășoare în fața ochilor noștri fără prea multe interferențe. Pur și simplu cele două lumi sunt evidente. Deci ai o lume modernă și ai o lume antică.

Este o producție foarte colorată, cu multe schimbări, care creează multe imagini, cu adevărat multe. Și cred că ajută povestea să se desfășoare. Cu toate acestea, ridică multe probleme arhetipale care fac mitul important pentru noi, pentru că valoarea unui mit este că vorbește despre probleme care sunt actuale astăzi. Nu este ceva ce nu ni s-ar întâmpla nouă astăzi.

Deci ceea ce încerc să spun cu această abordare este că orice s-a întâmplat atunci, în această poveste, este actual astăzi și se aplică sentimentelor noastre actuale, emoțiilor noastre actuale, pentru că oamenii, emoțiile și sentimentele oamenilor nu s-au schimbat de-a lungul ultimelor câteva mii de ani. Suntem încă aceiași oameni. Ne îndrăgostim. Ne supărăm. Devenim geloși. Devenim ambițioși. Este același lucru. Suntem aceiași oameni. Și acest lucru se întâmplă în toată lumea, indiferent de unde venim. Sentimentele umane sunt aceleași.

Orchestra de la Wexford cântă pe instrumente de epocă sau pe instrumente moderne?

Nu, avem o orchestră modernă.

Cum abordați aspecte precum ornamentația, frazarea, culoarea orchestrală pentru a da producției autenticitate, în acest caz?

Uitați, acum 50 de ani, dacă ar fi trebuit să cântaţi o operă Händel sau o operă barocă cu o orchestră modernă, ar fi putut fi o problemă. Ar fi trebuit să repetaţi cu orchestra elementele de bază și nu toată lumea era deschisă la acest gen de abordare nouă. Astăzi, acest lucru a devenit un standard și majoritatea muzicienilor știu cu adevărat cum să abordeze stilul, chiar dacă nu sunt specialiști în muzica barocă. Încă există o înțelegere despre stil și durează doar câteva repetiții pentru a trece prin el și a-l recrea. 

Desigur, cu o orchestră de instrumente de epocă, ai sunetul corzilor de mațe. Ai un peisaj sonor cu adevărat diferit. Dar acest lucru nu înseamnă în niciun caz că nu ești permis sau nu este legitim să prezinți muzică barocă pe instrumente moderne. Dar trebuie să spun că lucrul meu cu Orchestra de Operă Wexford a fost cu adevărat foarte ușor și cred că au atins un nivel foarte înalt de interpretare.

Şi partiturile vocale cer un anume tip de abordare. E nevoie aici de specialişti în baroc?

Da, pentru soliști trebuie să ai un fel de specialist în repertoriu. Ceea ce, din nou, nu înseamnă că este 100% necesar, dar cu siguranță ajută. În această producție suntem norocoși să avem un adevărat specialist baroc, dar și cântăreți fantastici. Avem doi contratenori, contratenori soprani de cel mai înalt rang de astăzi: Bruno de Sá în rolul lui Ahile și Niccolo Balducci în rolul lui Ulise, care este unul dintre cele mai dificile roluri de castrat ale lui Händel, pentru că este extrem de înalt și extrem de elaborat.

O avem şi pe Sophie Junker în rolul Deidamiei, pe care o consider una dintre cele mai bune soprane händeliene ale timpurilor noastre. Sarah Gilford în rolul Nereei, de asemenea o tânără foarte experimentată, cu o voce superbă de soprană. Și Petros Magoulas, care este un bas grec cu care lucrez din 2005. Deci este o poveste lungă. El interpretează rolul tatălui și, de asemenea, este foarte confortabil cu idiomul händelian, pentru că a colaborat la majoritatea înregistrărilor mele. Am făcut împreună toată această mare călătorie Händel.  Și Rory Musgrave, care nu este un specialist, dar se potrivește perfect în această distribuție. Este un bariton irlandez, actor fantastic, o persoană minunată și a prins imediat stilul. Cred că face o treabă fantastică. Deci avem cu adevărat o distribuție foarte bună și sunt foarte fericit de asta.